INDYSILENCE

CIERRE DE ORO PARA EL 30º ANIVERSARIO DEL FESTIVAL DE LA GUITARRA

12000 fueron las personas congregadas en la Plaza de Toros de Córdoba el pasado 26 de Julio bajo la llamada de uno de los mejores guitarristas de la historia: Mark Knopfler conseguía batir records de asistencia en su gira en la capital cordobesa.

A nadie parecía importarle las altas temperaturas que se registraban en la capital, ya que desde las ocho de la tarde que se abrían las puertas de la Plaza de Toros, miles de fieles guardaban cola para ir completando el aforo de la plaza. Antes de comenzar el show, a eso de las 22.30h impresionaba la vista de la plaza, abarrotada de gente con abanico en ristre que tan bien viene con estos calores.

Pasadas las 22.30h aparecía en escena Mark Knopler para poner el broche final al 30º aniversario del Festival de la Guitarra de Córdoba, donde han pasado figuras como Paco de Lucía, Joe Bonamassa o Placebo y que cerraba así su 30ª edición con el genial guitarrista escocés.

Con ganas de presentar su trabajo más reciente, publicado en 2009, “Get Lucky” en la ciudad califa, Knopfler ocupaba su silla (su lesión de espalda no le dejaba otra opción) y agarraba su guitarra para ofrecernos los nuevos sonidos de su último trabajo, más folk e incluso con toques celtas. El primer tema en sonar fue “Border River”, con claros aromas irlandeses. Varios fueron los temas presentados de su nuevo disco hasta que llegó “What Is It”, tema muy celebrado por el público, que dejaba paso más tarde a “Sailing to Philadelphia” que sirvió de lucimiento de Knopfler e hizo “cantar” a su guitarra, como sólo él sabe hacer. Con vítores de “torero torero”, que no sabemos si Knopfler comprendía y haciendo una improvisación a su guitarrra del “oee oe oe” que la gente le dedicaba, el diálogo entre Knopfler y el público se hacía muy patente y avivaba más aún su ánimo.

Tras ellas vendrían algunos de los temas más conocidos de Dire Straits, como “Romeo and Juliet” o “Sultan of Swins”. Antes del parón para el bis, Knopfler presentaba a la banda de músicos que le acompañaban: El teclista Guy Fletcher, fiel acompañante de Knopfler en varios de sus proyectos, Danny Cummings a la batería, aunque durante la última gira de los Dire Straits (1992-1993) tocó la percusión. En los teclados ha estado el americano Matt Rollings y, en la flauta, Mikel MeGoldrick, último fichaje de este último año y que tanto alabó Knopfler al presentarlo como el mejor flautista que conoce. Al violín, John McCusker; al bajo, Glenn Worf y a la guitarra, Richard Bennett, quien ha grabado todos los discos en solitario de Knopfler y ha participado en todas sus giras. Tras la presentación, con un vaso de whisky en la mano hicieron un brindis hacia el público y desaparecieron para en pocos segundos realizar el esperado bis.

Como colofón final sonaron las geniales “Brothers in Arms”, que hizo que se los pusieran los vellos como escarpias, y “So far Away” que hizo rendirnos a la evidencia de la calidad del sonido de Knopfler.

Knopfler consiguió dejarnos un gran recuerdo a todos los asistentes, pese al calor y le pese a quien le pese, a sus 60 años es capaz de levantar a una plaza abarrotada de gente y hacerla vibrar con sus temas de hoy y de siempre. Un gran cierre para este 30º Festival de la Guitarra de Córdoba que parece no parar de crecer nunca.

EL EMBRUJO DE ISAAK

Comienzo esta crónica avisando de que quizás sea demasiado entusiasta y peque de poco objetiva, porque, creo que, como la mayoría de los que asistimos al concierto de Chris Isaak en Atarfe, sucumbí a su embrujo desde que apareció en escena. Comenzó con un poco de retraso, sobre las diez y cuarto de la noche, debido al partido España-Paraguay, que añadió aún más emoción al evento. El teatro no estaba lleno, pero el público estuvo en todo momento entregado al intérprete californiano, que explotó su faceta de “entertainer” en el más amplio sentido del término.

Los Coronas se cayeron del cartel inicial para decepción del personal, que también protestaba por el cambio de horario.

Chris Isaak salió a escena con un traje color burdeos con inverosímiles bordados que alternó con otro modelo cuajado de espejos, que en cualquier otro parecería ridículo pero que él lucía con gran prestancia, junto con su tupé característico y esa belleza de galán de los cincuenta, de tipo duro con nariz de boxeador, pero tierno en el fondo.

Empezó el concierto con los acordes de "Lonely With A Broken Heart", de su disco "San Francisco Days", un tema rockero con un punto de swing, con el que consiguió que el público abandonara sus asientos, asientos que ya no volvió a ocupar durante todo el concierto. El delirio llegó con la versión de "Love Me Tender", bajó del escenario, se mezcló con la audiencia, e incluso cantó a dúo con una espontánea. El repertorio incluyó otras tres versiones de temas clásicos: "La Tumba Será Tu Final", "I´ll Go Crazy" y la mítica "Pretty Woman", que el público coreó enfervorecido. Lo mismo ocurrió con "Wicked Game", quizás la canción más conocida del californiano, con un inverosímil falsete final. Presentó además varios temas de su disco más reciente, "Mr Lucky", como "Cheater´s Town" y "You Don´t Cry Like I Do".

No se olvidó de "Somebody´ s Crying", "Blue Hotel" y "Blue Spanish Sky", que tocó en uno de los dos bises con los que deleitó a sus incondicionales que reclamaban insistentes su vuelta al escenario.

En definitiva, una noche memorable la del pasado 3 de julio en Atarfe, con una leyenda del rock y una banda de músicos entregados y exquisitamente profesionales. La única pega, que el público no responda ante estos eventos, tan escasos en nuestra ciudad.

Desde que pisamos la Sala valenciana Matisse el pasado 22 de Mayo, dejamos a un lado el universo al que estamos acostumbrados y que amamos y odiamos a partes iguales para adentrarnos en el personalísimo universo de Nacho Goberna. Toda una legión de fans de varias generaciones esperábamos expectantes que Nacho saltara al escenario para ofrecernos un show cargado de preciosistas canciones que visten y dan vida a los poemas de Nacho.

Elegante y mundano, lo primero que hizo Nacho nada más pisar el escenario fue presentarnos a los componentes de la banda que le acompañarían durante su show: César, Clara, Ángel y David, que interpretaron con maestría tanto las composiciones de Nacho en solitario, como los grandes temas de La Dama se Esconde.

Para romper el hielo, el tema elegido fue “Los primeros días”, que según el propio Nacho dijo <<Cuenta historias de ardillas verdes y bosques de té>>. A ella le siguió el single “Un Cuento” de este último trabajo de Nacho titulado “Un Bosque de Té Verde”.

Durante la primera parte del show se fueron alternando temas de este último disco con el primer disco en solitario de Nacho, de título “Transparente”, tales como “Cuatro estaciones”, “Aquí estaré” o “Transparente”. De efecto hipnótico son las letras versadas de Nacho, que hacen buscar significados y que no caen en el olvido, al igual que lo han hecho las de La Dama se Esconde. Tras ellas vendrían “Mañana” o la introspectiva “Jardín Interior”.

Las nuevas composiciones han ganado además en arreglos de piano, que se ponen más de manifiesto con la interpretación de “Memoria de unos ojos grises”, en la que el grupo abandona el escenario, Nacho pide quitar las luces del escenario y se refugia en una esquina para disfrutar de su composición de pianos desgarradores. Con ella se puso punto y final hasta los bises.

Tras ella vendrían los mejores temas de La Dama se esconde, que fueron bailados y coreados por todos comenzando con “Un regalo”, para proseguir con “Amenazas” y la fiesta estaba asegurada. Tras ella vendrían temazos como “Coge el viento” o “Princesa”, para finalizar con “La tierra de los sueños” y la ovación merecida de un trabajo bien hecho.

Fotografía: Enrique Insa

El recién restaurado Teatro Campos Elíseos de Bilbao se vistió de gala para albergar a un imperecedero. El artista inglés, afincado en EEUU desde los 70, prometía un espectáculo vibrante, y la gente respondió abarrotando el lugar (y eso que era domingo). Los primeros en llegar quedaron asombrados al ver al propio John Mayall vendiendo y firmando discos en un puesto de merchandising.

Mayall salió a la hora prevista y abrió el concierto con una canción interpretada con su voz y acompañado de una armónica que alternaba con ésta. Y es que los grandes maestros no necesitan más que su imponente forma de entender la música para dejar boquiabierto al público. Se le unió una banda formada por una batería, una guitarra, un bajo y un teclado Hammond, cada uno de un rincón de Estados Unidos. Comenzaron a dar un repaso a sus antiguas canciones y dando cuenta del buen hacer que han supuesto sus trabajos más recientes.

Mayall, tocando un teclado al mismo tiempo, convenció a los asistentes desde el primer momento, con un manejo exquisito de su armónica y su voz profunda y brillante. Los músicos que le acompañaban, lejos de la discreción, daban rienda suelta a la improvisación con momentos brillantes que el público supo reconocer y aplaudir. Pero como ocurre con los grandes, en ningún momento eclipsaron al gran John Mayall, que disfrutaba y hacía disfrutar a todo el mundo. A sus 76 años está en un estado de forma tan pletórico como lo estaba con los Bluesbreakers.

Sonaron clásicos como 'Room to Move' o 'California' en los que la destreza de los músicos se ponía de manifiesto con imponentes solos y pasajes mucho más relajados, alternando el blues moderno y el blues de Tenessee. Antes de terminar interpretaron una versión de uno de los ídolos de Mayall, el gran Albert King, en la que la gente se entregó por completo.

Mayall dio muestras de su habilidad como multi-instrumentalista, tocando el teclado, la armónica y su voz. Aunque quizá pudiese haberse echado en falta algún sólo suyo de guitarra, la gran banda que lo acompañaba consiguió que quedasen unas canciones y un concierto completo, con guitarreos de ensueño y sonando al blues más auténtico.

Tras hora y media de espectáculo los músicos se despidieron ovacionados y no dudaron en volver para poner el broche de horo con 'Hide Away'.

¡Qué fuerza sigue manteniendo Mayall, qué artista tan grande!

Fotografía: Daniel Del Valle

LESBIANOS Y VALENCIANOS DE LA NOCHE

Alrededor de las diez y cuarto aparecieron en el escenario los Love of Lesbian en una sala Mirror que se quedó pequeña (todas las entradas vendidas desde cinco días antes de la actuación) para dejarse la piel y la vergüenza durante prácticamente dos intensas horas de concierto donde repasaron las canciones de sus tres discos en castellano.

Comenzaron el concierto con "Allí donde solíamos gritar" y el público enseguida se entregó a los catalanes, aunque a éstos se les notaba algo de cansancio tras sus actuaciones del jueves en Zaragoza y del viernes en Barcelona en el festival EscenaBCN donde compartieron cartel entre otros con Sidonie, Standstill o Delafé y las Flores Azules.

Como es exigible a una de las mejores bandas del panorama indie español, poco a poco se fueron entonando, Santi Balmes y compañía fueron olvidando las consecuencias de su apretado calendario e hicieron que el concierto fuera continuamente a más, cosa que agradecimos los allí presentes, y es que se nota el buen feeling que tiene el grupo con el público valenciano, algo que más de una vez ellos han puesto de manifiesto públicamente. La entrega fue total en canciones como "1999", "Segundo asalto" o "Incendios de nieve", con la que echaron el cierre a la primera parte del concierto.

Dejaron claro que no comulgan con la actitud de algunos grupos que ni se dignan a mirar al público en sus actuaciones, y su cercanía quedó reflejada a lo largo de todo el concierto, con un contacto continuo y un intercambio total, muy agradecido por todos, incluso cuando Santi, a modo de broma, solicitó el derecho de pernada para todas las presentes por haberse aprovechado de "Niña imantada" para echar un polvo.

Tras un breve descanso, aparecieron de nuevo en escena para interpretar con fuerza "El club de fans de John Boy", ya con su camiseta de auténtico fan de John Boy, intuyéndose que se acercaba la parte más festiva del concierto. Antes hubo cabida para tocar la preciosa "Un día en el parque," "El ectoplasta", o "Me amo".

El último bloque fue el auténtico show, ya en escena disfrazados con sus trajes de amantes guisantes con capa roja e incluso Santi con un gorro de Nemo sobre la cabeza. Perdida la vergüenza nos deleitaron con tres canciones de su tan celebrado primer disco en castellano "Maniobras de escapismo", primero con "Los niños del mañana," a la que siguió una oportuna dedicación a Julián Muñoz, suponemos que para acordarse de la madre de este señor. Lo hicieron a modo de canción cristiana “Juntos como hermanos, miembros de Marbella, vamos caminando hacia ti, Julián Muñoz” y de seguido, aprovechando la melodía de "We are the world", volvieron a corear el nombre del corrupto. A ritmo del estribillo de "Ritmo de la noche" continuaron la fiesta, cambiando en un momento las letras para incluir tanto a los lesbianos como a los valencianos “Lesbianos y valencianos de la noche” y todo el mundo coreándolo.

Después del paréntesis ajeno volvieron a sus temas y solicitaron la colaboración del público para corear el estribillo de "Shiwa", tras lo que tocaron "Marlene, la vecina del ártico" y "Houston, tenemos un problema". Y para finalizar, formando los seis componentes del grupo encima del escenario, se marcaron la ya conocida coreografía final de sus conciertos, sonando de fondo "Algunas plantas", y tras bajar del escenario, un posterior baño de multitudes que puso fin al show.

En definitiva, una gran noche de concierto con un grupo que lo da todo en el escenario, que sabe manejarse ahí arriba, que está muy bien conjuntado y que ofrece un sonido en directo y unas canciones que conectan con el público y lo hacen disfrutar.

Cuarenta años con los más grandes. Cuarenta años en los que genios como George Clinton, James Brown o Prince marcaron una forma de cómo un artista debía moverse sobre un escenario. Cuarenta años que Maceo Parker ha sabido mimetizar con su saxo alto, su versatil voz y su deslumbrante banda. Y es que el poderoso concierto que dio el estadounidense no sólo fue notable por la excelente calidad musical recogida, sino por la explosión de buen rollo y alegría que provocaron en la abarrotada sala Santana 27.

El público estaba con ganas de pasarlo bien. Se notaba que muchos tenían marcada esa fecha en el calendario, y ni un Madrid-Barça impidió que la sala estuviese a rebosar.

Sobre las 22.00h aparece la banda de Parker en escena y empieza la fiesta. Suenan clásicos suyos como 'Pass the peas' o 'Shake everything you've got'. A sus 67 años, el genio de Carolina del norte, comienza a dar muestra de su saber hacer con su saxo y su voz, y en ningún momento olvida al público que tiene delante. Coros con los asistentes, bromas y pequeñas presentaciones se intercalan con grandes canciones que hacen que el público no pare en ningún momento.

Bruno Speight y Will Boulware, guitarrista y teclista respectivamente, se entienden a la perfección. ¡Qué carismática y arrolladora banda la que arropaba al gran Maceo!

Tras casi una hora de concierto que ha pasado volando suena 'Make it funky' en la que el trombonista Denis Rollins provocaba los momentos más bailables de la noche. Maceo intercalaba su saxofón con su profunda voz, incluso regalándonos algún pasaje scat.

Durante toda su vida Parker ha tenido 2 grandes manantiales de los que beber. Por un lado su carrera está ligada al que fue su jefe durante más de 2 décadas, el gran James Brown. De él recogió una fuerza en escena eléctrica, unos ritmos plagados de breaks que harán que no pares de moverte y una música primitivamente genuína rodeada de bolas de espejo. Pero la devoción de Parker siempre fue siempre Ray Charles. El soul, ese canto que atraviesa el corazón, sencillo y desgarrado, que Charles interpretaba como nadie.

Y con ese soul que Maceo no olvida es cuando cambia de registro en el concierto. Interpreta 'Children's soul', en la que el saxo toma una nueva dimensión, y hasta se atrevió a cambiar de instrumento para dar cuenta de que también es un excelente flautista. Sabía que en alguna ocasión había interpretado canciones de James Brown o de Marvin Gaye en sus conciertos, pero en esta ocasión hizo una versión de Ray Charles. Con una voz bastante similar nos ofrece una versión de Ray de 'Over the rainbow', espectacular.

Volvemos a bailar. El hijo de Maceo, Corey Parker, parece haber recogido el talento que le viene de familia. Acompañaba a su padre como corista y salió a rapear la canción 'Uptown Up', una mezcla hip-hop-funk en la que padre e hijo se disputan llevarla a un terreno o a otro. Y así, con una sonrisa en la boca, cansados pero con ganas de más el público ve como el concierto va concluyendo. Durante todo el concierto, Maceo no se cansa de pedir aplausos para los músicos que los acompañan, y al concluir el concierto él y su banda no tienen ni tiempo para salir del escenario antes de que toda la gente empiece a pedir un bis. Él, tan educado y complaciente siempre, no duda y vuelven para interpretar unos últimos temas que los asistentes exprimimos al máximo. Tras finalizar, una ovación vitorea al saxofonista y a su banda.

Las sensaciones tras el concierto son de haber presenciado música popular auténtica y grandiosa. Música negra de los 70 que tan maltratada ha sido los últimos años por la escena mainstream y a la que tanto debemos.

Fotografía: Daniel del Valle

¡DALE GAS, DALE!

Excelente ambiente en la sala Mirror, para una nueva edición de los Levi's Unfamous concerts, esta vez capiteados en la capital del Túria por Delafé y las Flores azules y dos de los finalistas de los Levi's Unfamous Music Awards, los mallorquines Odette y los inclasificables Ed Wood Lovers.

Fueron Odette los encargados de abrir la noche con una mezcla de estilos de lo más característico. Con un excelente EP de debut, "Phobos & Deimos", hicieron que los primeros asistentes de la noche disfrutaran de una amena actuación.

Tras el habitual cambio de instrumentos, Jose E y Santi, los componentes de Ed Wood Lovers, hicieron su marciana aparición. Con una divertida presentación y actuación no menos peculiar, se hicieron con el gentío de manera brillante. Estos amantes del cine de Tim Burton ( "Ed Wood" es una de las excelentes peliculas de Burton) acabaron de caldear al cada vez más emergente público, ansioso de ver a Delafé y las Flores azules.

Y llegaron, vaya si llegaron... El ahora reconvertido en duo, de ahí el recorte de nombre (adiós al Facto que comandaba su nombre, ya que Marc Barrachina ha emprendido un proyecto en solitario), y con nueva puesta en escena, al acompañar a Oscar D’Aniello y Helena Miquel, una corista, un trombonista, un saxofonista, una batería y a los platos y bases, y con nada más y nada menos que tres Mac Pro, se encontraba Dani Acedo, que ha hecho las labores de producción en su nuevo disco, les otorgan a los eclécticos catalanes un sonido más potente y elaborado en directo.

Remataron la actuación con un nucleo sólido de nuevas canciones, alternadas con canciones de su antigua etapa, hasta que llegaron con la nueva y, ojo, que va a sonar este verano, 1984, refrescante y veraniega canción que dió paso a la excelente "Mar el poder del mar", donde ya los entregados barceloneses lo dieron todo, transmitiendo su vitalidad al público que no pedía tregua, acabaron la actuación con "Espíritu Santo", primer single de su último disco y la brillante y directa, "La Fuerza", que acabó con lanzamiento de confeti masivo, dando un halo de emoción casi indescriptible.

Abandonaron el escenario, pero todos querían más, así que tras los habituales ruegos y cánticos, aparecieron de nuevo para dar un intenso bis con "La Compra", "Rio por no llorar", "Enero en la Playa" y "Solo Palabras". Dónde todos acabaron exhaustos pero con una perenne sonrisa de los que se saben del trabajo bien hecho.

Setlist: Hoy-Pronombres-Como Loco-La Juani-La Primavera-El Indio-Gigante-La Meta Volante-Funcionarios Ausentes-Eramos-Muertos-1984-Mar el poder del Mar-Espítitu Santo-La Fuerza-La Compra-Rio por no llorar-Enero en la Playa-Solo Palabras.

Fotografía: Vicent Comes

CANCIONES SIN ESCAPATORIA

Qué ganas tenia de ver otra vez sobre el escenario a los Tachenko, no solo por el disfrute que genera el hecho de ver en directo a una de las mejores bandas pop de nuestro país sino por lo entrañables que llegan a ser sus directos, generando un estado de cercanía con el público única, algo semejante a como si te tocaran en la salita de estar de tu casa…Y qué mejor manera que viajar a Madrid para ver el comienzo de su actual gira de presentación de su último álbum “Os Reís Porque Sois Jóvenes” (Limbo Starr, ’10).

Abrió la noche el grupo Surfa, un dúo que nos ofreció su particular collage de sonidos tropicales al más puro estilo Animal Collective, que consiguió arrancar algún contorneo por parte de los asistentes. Con un Ep en el mercado titulado “All My Colours”, Surfa tienen todos los factores a favor para abrirse en un camino que, por su propuesta a día de hoy, es demandado por el oyente. Y es que estos madrileños ya nos anuncian en su myspace que son un combo de samplers, loops y melodías, tal y como pudimos comprobar en el destacado “Shoot the Pianist” (estoy seguro que a los Midlake les sorprendería bastante), y la psicotrópica “Monster” Tras algo más de media hora cargada de bases programadas y voces distorsionada, incluido algún que otro problemilla de por medio, se daba por finalizada su actuación, cargada de frescura y dinamismo. Estaremos muy atentos a Surfa ya que seguro darán que hablar…

Llegó el turno de una de las bandas más carismáticas del pop nacional, unos Tachenko que últimamente solo habían aparecido acompañando a Micah P. Hinson en el Heineken Greenspace del pasado año. Recuerdo que la diferencia estilística del sr. Hinson no hizo mermar su buen hacer encima del escenario, demostrando la gran capacidad de adaptación que tienen los grandes músicos y creativos.

Nada más aparecer sobre el escenario, Sergio Vinadé, Sebas Puente, Eduardo Baos y Alfonso Luna empezaban su concierto en Madrid de la misma forma que empieza su reciente álbum “Os Reís Porque Sois Jóvenes”, con sus tres primeros cortes: “Compañeros del Metal”, “El Respland’Or” y “Escapatoria”, primer single cargado de ritmo con una lírica pegadiza, que sonó rotunda y entonó a un público que, al no conocer aún los demás temas nuevos, en esta ocasión se explayó en sus cánticos. Y es que, al igual que pasaría en la larga y ajetreada noche anterior en Zaragoza que daba comienzo a la gira, presentaron íntegramente el nuevo álbum, pudiendo observar el excelente estado de forma de los maños, aunque sus rostros mostraran el reflejo de la juerga montada en la capital aragonesa.

Alejándose estilísticamente cada vez más al típico aroma made in Niño Gusano, Tachenko firman un excelente trabajo, perfecta continuidad de su anterior álbum “Esta Vida Pide Otra” (Limbo Starr, '08). Así, con “Vámonos”, “La Resistencia” o “El Peligro” añaden una nueva carga de guitarras cristalinas repletas de acordes precisos que acompañan perfectamente a la voz de Vinadé y Sebas (algo mermada, suponemos por los excesos nocturnos de la noche anterior). Mientras el extrovertido y expresivo Edu Baos (que fue toda la noche el foco de las bromas de Vinadé en relación a sus andazas nocturnas) estuvo correcto en el bajo y a los teclados, algo difícil de conseguir con el cachondeo generado en torno a él.

Todavía se puede apreciar alguna mínima reminiscencia al “Nieves y Rescates” (Gelmar, '04) en los nuevos temas presentados, como por ejemplo en “Tírame a un Volcán” ( a mi también me gusta más que la hubieran titulado <Sácame de Europa> ) o “Las Flores del Mal”, que dio por concluido el concierto antes de comenzar el bis.

Pero no todo, como es lógico, fueron temas nuevos sino que entre medias de su actuación pudimos disfrutar de la evocadora y nostálgica “Mordekay”, la reencarnación del Niño Gusano en “El Coche Real”, las descarga guitarrera de “Protestas Pacíficas” y un “Mundo se Acaba”, estas últimas, además de resultar verdaderos trallazos pop, animaron a los asistentes de la sala Caracol a saltar desenfrenadamente.

Para el bis dejarían, como no, “Afganistán” y “Amable”, esta última, desde que dejaron de utilizar el xilófono y ciertos arreglos de viento, no acaba de transformarse en directo en la verdadera joya que es. Las dos últimas serían “El Tiempo en los Urales” y “Rayos y Centellas” de su Ep “El Tiempo en los Urales” (Gelmar, '05), un mezcla explosiva y contundente para cerrar por todo lo alto su actuación. Por cierto, el citado Ep no tiene desperdicio, aspecto que seguro incita a Vinadé a terminar con dichos temas los conciertos.

Fotografía: Helena Blanca

PERSONALIDAD DESBORDANTE

Tras los interminables minutos de espera aparecían en escena Janine Gezang, encargada de los teclados, coros, sintetizadores y bajo, además de ser la animadora del público más eficaz de la historia, y las dos nuevas incorporaciones: Jon Harper a la batería y Alberto Álvarez a la guitarra, coros y bajo. Tras ellos hacía su entrada un Chris Corner, escondido bajo su nombre de guerra IAMX, ataviado con sus mejores galas. Desde el minuto cero la fuerza se su directo se apoderó de cada uno de los asistentes que abarrotábamos la sala Caracol el pasado 26 de Marzo.

Con un setlist centrado en la presentación de su último largo “Kingdom Of Welcome Addiction" (61 seconds, ’09), los primeros cortes del concierto correspondieron a “The Great Shipwreck of Life” y “Nature Of Inviting” muy coreadas por el público y que nos hizo rendirnos de inmediato a los encantos de Corner.

Como no podía ser de otra manera, desplegó una cuidadísima escenografía, donde destacaba en la parte central del escenario los timbales, cubiertos de agua, que aporreaba Corner para enriquecer la percusión de la batería y un teclado, donde Chris se sentaba de espaldas al público aunque contaba con una pantalla y una cámara para no perder ni un detalle de su interpretación.

Al piano, Chris interpretó “Running” seguida de otro tema rescatado del primer álbum, “Mercy”. Impresionantes la fuerza desplegada por la banda al completo y la contundencia de sonido, además de la entrega de Chris con el público lanzando objetos que rápidamente desaparecían en la masa o cediendo su micro.

En el grueso de la actuación, hizo un repaso a lo mejorcito de su discografía, rescatando “Sailor” de su primer disco “Kiss + Swallow" (Recall ’04), o temazos como “Spit It Out”, muy enriquecida en directo por la fuerte base rítmica impuesta por Jon y Chris que mejoran y mucho la versión origininal o “The Alternative”, incluidas en el disco “The Alternative" (61 seconds ’06), sin dejar de presentar temas del último disco como “My Secret Friend”, en la que Janine sustituyó la voz de Imogen Heap de la versión del disco, “Can be Happy” o la desgarradora y muy aplaudida “I Am Terrified”, terminando el show con “Think Of England”, que desató la locura, hasta los bises.

Tras el parón, volvieron con fuerza para ofrecernos dos tandas de grandes temas que quedaban en el tintero: con “Kiss + Swallow” se abría el fuego, seguida de “Nightlife” que constituyó uno de los mejores momentos de la noche, seguida de “President” que desembocó en un nuevo parón que dio paso a la tremenda “Negative Sex” seguida del tema que da nombre al último disco “Kingdom Of Welcome Addiction” para poner punto y final a la actuación.

Así da gusto ir a una actuación donde no se pueden poner “peros” a nada: tremendo setlist, tremendo sonido, tremenda escenografía. Volveremos a la siguiente cita con IAMX sin pensarlo dos veces.

EL PEQUEÑO GRAN HOMBRE

Una silla y una funda de guitarra son los únicos artificios que adornaban el escenario esperando la salida de Kristian Matsson, nombre que se esconde bajo el exagerado pseudónimo artístico The Tallest Man On Earth.

Nada más pisar el escenario, comenzó su actuación y todavía no se había escuchado ni un acorde salido de su guitarra. Matsson apareció tímido con armado con su guitarra y volvió al backstage para colocar otra en el suelo. Curioso se asoma al borde del escenario para comprobar si estábamos ahí y comienza su recital.

La nueva promesa del folk y enésimamente comparado con Bob Dylan, demuestra personalidad y tablas en el escenario. Con su nuevo trabajo bajo el brazo, titulado “The Wild Hunt” (Dead Oceans, 2010). Su peculiar forma de enfatizar las canciones con la guitarra y con la entonación de su rasgada voz, aleja y personaliza su particular repertorio.

Siempre divertido, jugaba con el público al término de sus canciones y no para de moverse y mover la silla vacía que pocas veces tenía el uso que debe. Busca la cercanía con el público asomándose o incluso sentándose en el filo del escenario, cercanía que le quita la oscuridad del teatro pero que los solventa con diálogos ocurrentes en el público.

Así, como si una obra de teatro se tratase, nos va presentando su repertorio incluido en sus dos discos hasta la fecha. Temas como “The Gardener”, incluído en su disco anterior “Shallow Grave” (Dead Oceans, 2008) o temas nuevos como “Troubles will be gone” nos hacen viajar por los áridos paisajes de EEUU, aunque su artífice sea sueco.

Con “King of Spain” declara su amor a España, canción hecha de típicos y tópicos españoles pero con cariño, recalcado por él mismo en el show y prometiendo que aprenderá castellano para la próxima gira.

Sorpresas como las versiones de “These Days” de Nico, o la versión de la elegante canción de Sade “By Your Side”, junto con la aparición de su novia que hizo los coros y ayudó a la interpretación de una de las últimas canciones del show, enriquecieron una actuación que se prevee que tenga un punto y seguido.

Su particular actuación cierra así con honores esta primera entrega del ciclo Fonorama. Esperamos con expectación la próxima.



Fotografía: Enrique Insa

PODERIO DESBORDANTE

Cuando uno recibe más de lo que espera al final todo suele derivarse en un asombro y perplejidad dignos de mención. Fue así como, tras más de dos horas de concierto de los de Hoboken (New Jersey), nos dejaron a los que asistimos a su actuación en Valencia. Convencieron sin desconfio ni trampa, con un poderío desbordante que solo la experiencia abismal de más de dos décadas dedicadas a la música y 13 álbumes de estudio puede llegar a generar.

Así fue como pasados 10 minutos de la hora fijada, Ira Kaplan, Georgia Hubley y James McNew subían al escenario para ofrecer un espectáculo que deambularía por infinidad de estilos musicales, imposibles de enumerar todos (rock, pop, noise, folk,…), generando compases de verdadera furia de rugidos guitarreros con otros en donde la candidez melódica copaba todos nuestros sentidos.

Fue “And the glitter is gone”, de su último y aplaudido álbum “Popular Songs” (Matador ’09), la escogida para que Ira Kaplan empezara con su calentamiento de ruido y distorsión en donde totalmente poseído aporreaba su guitarra y giraba reiteradamente las clavijas de su guitarra para conseguir sonidos inimaginables. En contrapartida, a mitad de concierto se dio paso a una tanda de canciones de susurros pop de una belleza inimaginable en donde toma el control vocal Georgia, para así ofrecernos temas como “I’m on my way” y “When it’s dark”, del citado último álbum, o “Tom Courtenay” del “Electr-o-pura” (Matador ’05) , que en un acústico de lo más íntimo dejaban asombrados a un público que ya estaba metido en bolsillo y que esta vez sí se comportó de forma ejemplar respetando estos momentos de especial silencio. Por el camino, fueron sonando temas clásicos como “Stockholm syndrome” (pero por Dios qué buena es esta canción!) del “I Can Hear the Heart Beating As One” (Matador ’97), Flying Lesson (Hot Chicken #1) del “Electr-o-pura” (Matador ’05), o el rock & roll desenfrenado de “Watch out for me Ronnie” de su álbum “I Am Not Afraid of You and I Will Beat Your Ass” (Matador ’06).

Digno de mención fue observar con qué sobriedad y facilidad James y Georgia logran mantener el ritmo con el cual se forma el esqueleto de la gran mayoría de las canciones de Yo la Tengo, dejando toda la libertad a Ira para que vaya construyendo sonidos que se van clavando como alfileres dentro de ese armazón, dotándoles de una revulsiva innovación sonora que es digan de alabar. No sólo Ira es un maestro guitarrero experimental de la distorsión: descargando con furia su mano sobre la guitarra, acercándola a los amplificadores y metiendo entre las cuerdas el mango de unas maracas; sino que también lleva la distorsión a su dominio con el piano, como bien constata uno de las mejores canciones de reciente creación de la banda, su “Periodically double or triple”, que enlazó de forma espectacular con el “Nothing to hide” más garajero que nunca; brutal. 

Seguidamente los de New Jersey nos tenían preparados para el final la mítica “Sugarcube”, que como es de esperar fue cantada en pleno éxtasis efervescente de los asistentes, y como colofón la duradera a la par que intensa “Pass the hatchet, I think I’m goodkind”.

En los dos bises de tres canciones cada uno pudimos observar el ritmo simultáneo contenido en Georgia y James a la percusión en “Autumn Sweater”, otro éxito extraido del “I Can Hear the Heart Beating As One” (Matador ’97), además de un cierre de lo más dulce con la revisión del “Dreaming”, que se puede encontrar en el disco de rarezas que se incluye en la edición limitada de su recopilatorio Prisoners Of Love (Matador ‘05).

Así pues, con más de dos horas de concierto en un total de 22 canciones, puedo asegurar que, fuera de modas, Yo la Tengo me siguen gustando en directo incluso más que la primera vez que los viera hace más de diez años, y que su actuación en Valencia es, sin duda, y de momento, el mejor concierto del año para un servidor. Si pensáis que ya no os pueden sorprender…yo de vosotros no me los perdía y apuntaría fechas aprovechando que todavía están por aquí.

Fotografía: Helena Blanca

Cualquiera que, como servidor y sus acompañantes, buscase en la página web de Razzmatazz el horario del evento, tuvo, por fuerza, que encontrarse con una programación que aseguraba que los teloneros (de los que no se sabía ni el nombre) comenzarían su actuación a eso de las 20h para que apenas una hora más tarde These New Puritans pudiesen subir a la tarima y levantar al, más bien sosegado, público de la sala.

Pero no... Lo cierto es que para cuando el reloj marcaba la hora del supuesto inicio, ni tan siquiera las taquillas estaban abiertas y un resignado miembro de seguridad invitaba, amablemente, a cualquiera que se acercase a la puerta a tomarse un café en el bar de enfrente, puesto que el único grupo que había aparecido por allí estaba aún haciendo pruebas de sonido.

Para cuando pudimos entrar fuimos plenamente conscientes de que ningún telonero aparecería por ese escenario en el que unas, si me lo permiten, más bien “cutres” letras rojas de borde blanco rezaban “These New Puritans”. Así, una batería en el fondo, unos bombos adicionales, dos guitarras, un teclado, un Macbook lleno de efectos y unas 150 personas esperaron durante más de una hora a que cuatro jóvenes muy jóvenes escalasen el lateral del escenario entre tímidos aplausos y tomasen posiciones. Es innegable que hasta este preciso instante el cariz que habían tomado los acontecimientos era, cuanto menos, desalentador. Pero eso duró poco: en el mismo momento en el que ese prodigio de las baquetas que George Barnett resultó ser comenzó a descargar los marcados bombos de “We want war”, el peculiar primer single de “Hidden” (Domino, '10), sobre el público, este entendió que los ingleses iban a tratar de reparar el daño que la espera pudiese haber causado.

Tras su anterior visita a España, dentro de la gira de presentación de su debút “Beat Pyramide” (Domino, '08), y el casi irrisorio concierto que ofrecieron en aquel FIB 2008, uno esperaba con cierto recelo a aquellos cuatro muchachos que fueron engullidos sin piedad por la inmensidad del Escenario Verde sin apenas poder defender su trabajo. Sin embargo, una grata sorpresa me sacudió al comprobar que, si bien su nuevo disco puede pasar más desapercibido que el primero al no contar con tanto hit y basar su estructura en una línea más conceptual y discreta, las tablas y el “saber estar” habían germinado hasta convertir al cantante, Jack Banrett, en un carismático chaval que basa su juego con el respetable en el interés creado por la oscuridad y la introversión que su aguileña figura proyecta.

“Three Thousand”, tal vez el tema que mejor representa la nueva línea futurista, casi abstracta, que el grupo parece querer tomar, fue el segundo corte del recital. El público comenzó a recordar que se encontraba en un concierto y los cuerpos comenzaron a moverse, de modo que cuando “Numerology (aka Numbers)” inundó la sala, la atmósfera que se respiraba daba a entender que a pocos les importaba ya la hora de retraso sobre el horario previsto; These New Puritans estaban perdonados. Tras la acelerada e inquieta “Numerology (aka Numbers)”, “Hologram”, sin duda alguna la más brillante composición de “Hidden”, que recuerda a los más refinados Grizzly Bear, vino a dar buena cuenta del amplio espectro musical que la banda puede cubrir.

“Orion”, “Drum Courts where corals lie” y alguna que otra canción del primer disco convirtieron el concierto en una muestra de lo que el prodigioso batería, ayudado por bruscos golpes Thomas Hein a las membranas adicionales, era capaz de hacer, y si bien siempre es un placer observar lo que un gran músico puede hacer con su instrumento, el público que hacía no más de cinco temas se había encontrado en medio del éxtasis comenzaba a impacientarse. Sophie Sleigh, a los teclados, debió darse cuenta, porque tras susurrar algo al oído del cantante, este exclamó; “La siguiente canción... simplemente... no sé” y acto seguido abordó “Elvis”, su más laureado éxito, el cual, a pesar de sonar ligeramente más apagado que en el disco, fue capaz de crear el último clímax del espectáculo, dejando el pabellón bien alto para que, a partir de ese momento, las siguientes tres canciones hiciesen las veces de coda que pusiera punto y final al mismo.

En resumidas cuentas, los ingleses ofrecieron un concierto desigual pero entretenido, en ocasiones aparentemente desganado pero en ciertos puntos rebosante de una genialidad que hacía que cualquier inconveniente mereciese la pena.

Fotografía:Naomi Castelló

REGISTROS MÁGICOS

Volvían a Valencia Piano Magic después de sus fantásticos conciertos en el Colegio mayor Lluis Vives hace ya más de un lustro. La noche empezó con la actuación de La Calle de Ángela, un grupo de la ciudad que practican una música cercana a la propuesta de los anglo-franceses. Comenzaron con “Detener el tiempo” y siguieron con canciones como “Domesticado” o “Gravedad 0”, ofreciendo un sonido que se desenvuelve entre el rock al ralentí y el post-rock cercano a grupos como Low, Yo la Tengo o Sr. Chinarro. Cabe destacar el buen hacer del guitarrista Nacho Nácher que extraía toda clase de ruiditos e interesantes efectos a su guitarra, la verdad es que su directo fue un buen aperitivo para lo que sería el plato fuerte de la noche.

"Hoy somos Piano Matisse", así presentaba Glenn Johnson a su banda haciendo referencia a la sala que les acogía en su concierto de la capital levantina y así empezaron su actuación con “Recovery Position” en primer lugar, perteneciente a su último álbum “Ovations” más tarde sonarían otros temas de su discografía plagada de singles y EP´s. “The Blue Hour” y “Dark Horses” le siguieron, con una vista al pasado interpretando “Jacknifed”, así se fueron siguiendo los temas sin dar respiro, con un intenso y soberbio sonido y la banda perfectamente engrasada, sonaron sobre todo las canciones de sus últimos álbumes donde nos encontramos a unos Piano Magic con unos registros más cercanos al pop y al rock, aunque en su propuesta uno no puede dejar de pensar en la clara influencia de Joy Division.

“Love & Music” sonó impresionante después de un breve discurso de Glenn sobre lo que significa hablar del amor y la música. Glenn no bajó el listón ni un momento a las voces y guitarra y fue interpretando de forma eficaz el repertorio, así como el resto de músicos: Franck Alba a la guitarra, Alasdair Steer al bajo, que pasa prácticamente desaparecido pero no así su sonido, el batería Jerome Tcherneyan muy solvente a las baquetas, y por último la guapa y atractiva Angele que da otro matiz con su voz aterciopelada y sus arreglos de piano envolventes y misteriosos. Después la mencionada Angele tomaría las riendas cantando la intensa y enérgica “Incurable” de su penúltimo y aclamado álbum “Part Monster”.

Posteriormente volvería el misterio y la oscuridad y otro guiño al pasado con la inmensa ("Music Won't Save You from Anything But) Silence", de su albúm “Witers Without Homes” y más tarde la sutileza y delicadeza de “Part Monster” con Glenn y Angele sólos, en plan dueto, para acabar con “The last engineer”, donde el líder del grupo comentó que en Inglaterra la gente es poco participativa en sus conciertos y pidió la ayuda de los asistentes para que hicieran palmas en dicho tema, un final de concierto apoteósico para una gran banda cuyo buen hacer en directo, legado y bagaje merecen un mayor reconocimiento. Grandes!!

Fotografía: Vicent Comes y Enrique Insa

SALVANDO A ELEANOR

A pesar de no poder ver a The Fiery Furnaces en todo su esplendor, ya a que su cantante y principal miembro del grupo Eleanor Friedberger, junto a su hermano Matthew (guitarra y voz), se encontraba con un gran malestar que le impedía lucirse en plenas facultades, la experiencia fue muy reconfortante. Tal fue el mal estado de la joven Eleanor  que tuvo de retirarse en varias ocasiones a los camerinos y ser suplida por Matthew, cuando no optaba por tocar la batería e incluso pedir participación de alguien del publico para cantar (estuvo divertida la improvisación del cantante de los taloneros ISWHAT ?! aún sin saberse demasiado bien la letra de la pegadiza "The end is near").

Fotografía: Enrique Insa

Para ser totalmente sincero, uno debería empezar la crónica del concierto con algo así como “¡Vaya basura de sitio!”, pero me han chivado que ésto de ser tan directo no es políticamente correcto. Así que habrá que abrir con un, algo más, elaborado eufemismo del estilo “Dejando de lado el hecho de que La Penélope, una discoteca (porque de sala de conciertos nada; bien lo ratifican las incómodas columnas que cada ciertos metros impedían la visibilidad) que, sumida en ese cutre ambiente de parque temático de cartón-piedra que el Poble Espanyol crea, se les quedó pequeña; Vampire Weekend supieron sobreponerse al marco arquitectónico sacando partido a uno de los pocos puntos fuertes del lugar: la calidad del sonido, y haciéndonos disfrutar de un animado show”.

Así, mientras el público menos previsor se agolpaba en la puerta de entrada luchando por un espacio desde el que poder vislumbrar las dos lámparas de araña (en referencia a la portada de su álbum debut) y la gran lona en la que podía leerse el nombre de la banda que los cuatro jóvenes neoyorquinos habían escogido como escenografía, los primeros acordes de "White Sky" comenzaron a llenar la sala y una compacta masa de gente botó al ritmo de la música. Una música que sonó, durante todo el recital, tremendamente fiel a las grabaciones, una música que fue capaz de ocultar el fantasma de las columnas, del poco espacio y de la cerveza caliente e hizo que todos los presentes viviesen una hora y media de diversión basada en la efectiva mezcla de ritmos tropicales y africanos con recursos típicos del rock más actual.

Un cercano Ezra Koenig jugó el papel de frontman animando al público a corear sus alegres estribillos, como cuando antes de tocar “One (Blake's got a new face)” puso al respetable a soltar berridos a capella para asegurarse de que serían capaces de seguirle durante la actuación, y anunciando las canciones con escuetas descripciones de su significado, “¡Esta va de la familia!” musitó justo antes de abordar “Cousins”, indiscutible hit de su segundo álbum, con una soltura equiparable a la de una especie de hermano pequeño del Alex Kapranos más encantador. En el aspecto técnico, el líder de los vampiros tampoco defraudó; tanto su característica voz como sus guitarreos sonaron a las mil maravillas. Por supuesto el resto del grupo no fue menos; mientras Christopher Tomson, a la batería, y Chris Baio, al bajo, mostraban una impecable técnica que, estoy seguro, pocos entre el público esperaban, Rostam Batmanglij intercalaba sus rapidísimas y agudas guitarras con los teclados que, sobre todo en  su último álbum "Contra" (XL Recordings, '10), coquetean con la electrónica de una forma tan acertadamente naive.

Los puntos más álgidos de la noche vinieron de la mano de sus más contundentes éxitos; "Cape Cod Kwassa Kwassa" convirtió a los barceloneses que allí se dieron cita en una entregada tribu que bailaba llevada por sus prometedores chamanes, la brillante ejecución de "Taxi Cab" o "Run" disipó cualquier duda acerca de la puesta en directo del nuevo disco y "A-Punk" pusó el grito de los asistentes en el, bajo, cielo de La Penélope, y destrozó sus pies contra el suelo de la sala. Tras "Oxford Coma", Vampire Weekend abandonó el escenario para recuperar fuerzas y animarse con los atronadores aplausos que siempre preceden a los bises cuando un live convence. A la vuelta, "Horchata", tan evocadora como en nuestros reproductores, "Mansarf Roof" y la vitoreada "Walcott" pusieron fin a una noche en la que el grupo cumplió, e incluso superó, cualquier expectativa.

En definitva, estos cuatro chavales que se conocieron estudiando Cine en la Universidad de Columbia representan el lado más arty de la música contemporánea, son los acomodados <afro-pijos> que abogan por una música aperturista que vaya más allá de las borracheras y busque un prisma más culto y refinado, sin renunciar a la diversión que todas sus canciones destilan, que el que persiguen la mayoría de grupos de su generación. Si además de luchar por esta originalidad son capaces de mantener un sorprendente y animado directo como el de Barcelona durante sus futuras actuaciones; este grupo tendrá mucho que escribir en el desarrollo de nuestra música.

SET LIST VAMPIRE WEEKEND - Sala Pénelope, Barcelona - 27/02/2010

White Sky
Holiday
Cape Cod Kwassa Kwassa
I Stand Corrected
M79
California English
Cousins
Taxi Cab
Run
A-Punk
One (Blake’s Got A New Face)
Diplomat’s Son
Boston (Ladies of Cambridge)
Giving Up the Gun
Campus Oxford
Comma
Horchata
Mansard Roof

Walcott