INDYSILENCE

"Villa Amalia" es la quinta colaboración entre la genial actriz francesa Isabelle Huppert y el director galo Benoît Jacquot. El guión esta basado en la novela homónima de Pascual Quignard y ha sido adaptado para el cine por el propio director y Julien Boivent.

En esta película Huppert vuelve a interpretar a una pianista tras la fantástica cinta de Haneke titulada "La pianista".

Esta vez, el argumento trata de retratar la soledad y la libertad que lleva aparejada. Ann (Isabelle Hupert) descubre a su marido besando a otra mujer. Este acto será el desencadenante para que la protagonista decida romper con todo y desaparecer del mundanal ruido. Para ello, vende todas sus posesiones, abandona su exitosa carrera como pianista y emprende un viaje con el objetivo de encontrase.

La mayoría de las veces observaremos al personaje avanzar hacia delante, con planos en la que la veremos de espaldas dirigiéndose sin rumbo fijo a su destino.

Afortunadamente, un amigo del pasado (Jean-Hugues Anglade), aparece y la ayuda en su búsqueda del lugar perfecto, que será una villa abandonada situada en una isla perdida en lo alto de un acantilado.

La trama no ahonda en las razones del personaje sino en su afán de emprender una nueva vida cortando de raíz con su pasado. Esta aspiración de romper con todo, es algo que todo ser humano sueña con hacer pero que muy pocos llegan a realizar, por lo que resulta muy gratificante seguir a este personaje que tiene el valor de realizarlo.

Destaca también, la fotografía realizada por Caroline Champetier, y la música de Bruno Coulais, responsable también de la banda sonora de películas como "Los Chicos del Coro" y "Los mundos de Coraline".

La presencia de la genial actriz francesa eleva el film a un estadio muy alto que hará disfrutar enormemente al espectador pues, sin ningún aspaviento, consigue transmitir todo aquello que pasa por la cabeza del personaje.

Robin Hood es el último estreno del director británico Sir Ridley Scott, autor de cintas tan memorables como Alien, el octavo pasajero, Blade Runner, Thelma y Louise, y Gladiator.

El mito de "Robin de los bosques" ha sido una fuente inagotable para el mundo del cine que lo ha llevado a la pantalla en unas 80 ocasiones, tal vez todos tenemos en mente a Errol Flynn y a Burt Lancaster como la cima de su interpretación como género de aventuras, con el permiso de la tierna interpretación de Sean Connery en el León de Invierno.

Esta vez Scott ha llevado a su película hacia unos derroteros más dramáticos presentando a Robin Hood como un ser maduro de vuelta de todo que lucha por la libertad de su pueblo.

Este filme supone la quinta colaboración entre el actor australiano Russel Crowe y el director británico tras Gladiator, Red de mentiras, Un buen año y American Gangster. Tal vez por eso en muchos momentos parece que estés viendo un Gladiator ambientado en la edad media.

Cate Blanchet en el papel de Lady Marian y Max Von Sydow como Sir Walter Loxley acompañan magistralmente a Crowe convirtiéndose en lo más interesante de la película, puesto que en esta versión Lady Marian abandona su estereotipo de delicadeza femenina para convertirse en una mujer de armas tomar que admirará a los habitantes del bosque de Sherwood. El papel del Sheriff corre a cargo de Matthew Macfadyen.

El esfuerzo en la producción de esta cinta es impresionante ya que se han utilizado escenarios naturales del siglo XII, realzando los castillos y ampliándolos digitalmente. En cuanto al vestuario, Ridley vuelve a contar con su diseñadora fetiche Janty Yates.

La película tiene una duración de 141 minutos.

"Habitación en Roma" es el último proyecto cinematográfico del director vasco Julio Medem tras tres años retirado de la gran pantalla, tras la controvertida "Caótica Ana".

Medem revolucionó el cine español en los años 90 con títulos como "Vacas", "La Ardilla Roja", "Tierra", "Los Amantes del Circulo Polar", y ya en los 2000 "Lucia y el Sexo", "La pelota Vasca" y la mencionada "Caótica Ana", dedicada a su hermana.

Este nuevo film es el fruto de un encargo, una adaptación de una obra teatral que antes había sido película, la cinta chilena "En la Cama".

El escenario en el que transcurre toda la cinta es la habitación de un hotel en el centro de Roma, en la que dos mujeres jóvenes que se acaban de conocer, se internan juntas en una aventura física que les marcará en lo más íntimo de su ser.

Todo transcurre en una noche y en las primeras horas de la mañana de un día del comienzo de verano de 2008, antes de que la ciudad eterna escupa a cada una de ellas al lugar al que pertenecen.

Las actrices elegidas para interpretar los roles protagonistas son Elena Anaya y la rusa Natasha Yarovenko. Julio y Elena se fueron a Rusia a hacer el casting en busca de la otra actriz protagonista, para después encontrarla en Barcelona.
La complicidad entre Elena Y Natasha funciona al igual que la interpretación de los diálogos en inglés. Esto se debe en gran medida a el trabajo realizado por Medem con las actrices, a quienes ha sabido conducir al alma de los personajes imaginados por él.

Esta película representa un reto para Julio pues es una película de interiores, donde no puede utilizar uno de sus fuertes que es el juego de los paisajes y elementos naturales.
Las referencias al arte de Gustav Klimt son claras y evidentes, a lo que ayuda una composición exquisita junto a la belleza de sus actrices protagonistas que supuran erotismo y romanticismo en cada fotograma.

Burton tenía muchas ganas de abordar el universo de Lewis Carrol y ha querido aunar en un mismo film las dos obras del escritor inglés: “Alicia en el país de las maravillas" y “Alicia tras el espejo” en un guión escrito por Linda Woolverton, que también es autora de los guiones de Disney sobre La bella y la Bestia y El Rey León.

La novedad de esta nueva Alicia es que ya no es una niña, sino que tiene 20 años y esta a punto de casarse.Esta licencia tomada por Burton sorprende pero llena de matices la interpretación de una magnifica Mia Wasikowska, todo un descubrimiento para la gran pantalla, cuyo papel de Alicia le acompañara durante toda su carrera.

Lo mejor de la película es, sin duda, la atmósfera creada por Burton que es simplemente espectacular, a lo que ha contribuido el director de fotografía, el polaco Dariusz Wolski, responsable también de la fotografía de la serie de "Los piratas del Caribe".
La música corre a cargo de Danny Elfman, colaborador habitual de Tim Burton y creador de la archiconocida sintonía de Los Simpson.

Con un equipo así es difícil defraudar al gran público, que con esta versión de Burton acerca el personaje de Alicia a las nuevas generaciones.
La animación de los personajes del universo de Carrol adquieren una nueva dimensión, donde destaca por su simpatía el gato de Cheshire, el conejo blanco y los gemelos Tweedledee y Tweedledum.

Una película muy recomendable para pasar un rato divertido en el que el país de las maravillas deleitará los sentidos del espectador, arrancándole más de una sonrisa.

El mal ajeno es el primer film dirigido por Oskar Santos y la primera vez que Alejandro Amenábar produce una película para un tercero.

Oskar y Alejandro estudiaron juntos en la escuela de cine. Ambos han colaborado a los largo de los años. Oskar fue el director del documental para televisión Un viaje mar adentro sobre el rodaje del escarizado film, y su corto El soñador, partió de una historia ideada por Amenábar y que él mismo le produjo.

En esta ocasión, el guión esta firmado por Daniel Sánchez Arévalo, el director de Azuloscurocasinegro y Gordos. La originalidad de la historia reside en la mezcla de lo sobrenatural con las vivencias en un hospital donde la vida y la muerte penden de un hilo.

Los protagonistas del film son viejos conocidos de la filmografía de Amenábar, puesto que los papeles principales están interpretados por Eduardo Noriega y Belén Rueda.

Noriega interpreta a un médico que tras pasar muchos años encargado de enfermos terminales se ha inmunizado ante el dolor de los demás, por lo que huye de cualquier implicación personal, incluso con su familia.

Una noche el protagonista es herido de bala, un suceso que le llevará a tomar decisiones que afectarán a sus pacientes (la colombiana Angie Cepeda y Carlos Leal), a su ex mujer (Cristina Plazas), a su hija (Clara Lago), a su padre (José Ángel Egido) y a una misteriosa mujer (Belén Rueda).

La propuesta estética del director es muy interesante pues continuamente esta jugando con enfoques y desenfoques muy sugerentes que añaden intriga y ritmo a la historia.

Por otro lado, contrasta la frialdad de los colores utilizados donde predomina los tonos grises y metálicos mezclado con ambientes claustrofóbicos, en una historia donde los sentimientos están a flor de piel, pues esta en juego la vida de muchas personas. El equilibrio entre lo sobrenatural y lo real está muy bien llevado por lo que mantendrá al espectador en vilo hasta el final para descubrir qué es lo que esta pasando.

La ambientación de la película es espectacular al igual que la música compuesta por el propio Aragón que no ha dudado en contar con los mejores especialistas, como el libanés Ara Malikian en el violín, Pepe Habichuela & Josemi Carmona en la guitarra y Jepa Junkera en la trikitixa, quien además ayudó a los actores a familiarizarse con este peculiar instrumento.

A pesar de la recreación en esos duros años de la historia de España, el film no se decanta políticamente, llenando de sutiles matices las interpretaciones de sus actores.

Los personajes protagonistas están interpretados por Imanol Arias (el músico Jorge del Pino), Lluis Homar (el ventrílocuo Enrique Congo), el niño de El Orfanato Roger Príncep (el huérfano Miguel) y una sorprendente Carmen Machi (Rocío Moliner) que borda su papel de cupletista.

Son personajes que lo han perdido todo y que a pesar de ello siguen confiando en la vida y en su arte. Es muy interesante el planteamiento del director que hace casi más hincapié en lo que viven los cómicos en bambalinas antes de entrar a escena, mostrándonos algún truco que otro, que en la propia actuación.

Con esta película Emilio Aragón ha querido hacer un homenaje a sus raíces por lo que ha contado con su padre, el archiconocido Miliki y con el argentino Fernando Castets, responsable de éxitos como El hijo de la novia y Luna de Avellaneda.

Tal vez el guión en su ánimo de relatar excesivas emociones y anécdotas pierde un poco la definición de los personajes tendiendo a hacer un uso excesivo del melodrama, a pesar que a lo largo de la cinta se suceden los números musicales con algún que otro guiño de humor.

Lo mejor de la película es la intervención de Carmen Machi, quien consigue impregnarle otro ritmo al film.

La 82 gala de los Oscar ha deparado grandes sorpresas. Por un lado, hay que destacar el gran triunfo de la película En Tierra Hostil, de la directora Kathryn Bigelow con seis estatuillas de nueve, entre ellos, el de mejor dirección, mejor película y mejor guión original.

Bigelow, es la primera mujer en ganar un Oscar tras las nominaciones de Sofia Coppola (Lost in Translation, 2003), Jane Campion (El Piano, 1993) y Lina Wertmüller (Seven Beauties, 1976).

El film de Bigelow sobre la vida de unos artificieros en Iraq ha derrotado a la gran favorita, Avatar de James Cameron, que de las seis nominaciones sólo se ha llevado el Oscar a la mejor fotografía, efectos especiales y dirección artística. El morbo estaba servido desde que se conocieron las nominaciones puesto que ambos directores había sido marido y mujer.

Entre la filmografía de Bigelow, especializada en cine de acción, destaca Le llaman Bodhy y K-19: The Widowmaker donde trabajó con Sean Penn, Harrison Ford y Liam Neeson.

A Cameron siempre le quedará el reconocimiento del público que ha convertido Avatar en una de las más taquilleras de la historia del cine y la mejor hasta la fecha en 3D. Su éxito es tal, que se ha retrasado el estreno en España de la última de Tim Burton hasta el próximo abril.

En cuanto a las interpretaciones, destacar el premio de Mo´nique como mejor actriz de reparto por Precious y de Christoph Waltz por Malditos Bastardos . El Oscar a la mejor actriz se lo ha llevado Sandra Bullock por The Blinde Side que aún no se ha estrenado en España.

Jeff Bridges ha conseguido el Oscar al mejor actor por su interpretación de un cantante de country, venido a menos, en Corazón Rebelde que recuerda mucho al ganador del año pasado Mickey Rourke de El Luchador.

Por último, destacar el premio de Up como mejor película de animación y de la producción hispano-argentina El Secreto de sus Ojos que ha reconocido el trabajo del director argentino Campanella.

Un profeta, dirigida por el director francés Jacques Audiard ha sido elegida como una de las mejores películas europeas del año y representará a Francia como mejor película extranjera en la gala de los Oscar.

Audiard pertenece a una saga de directores galos que apuestan por hacer un cine negro alternativo al propuesto por los Estados Unidos.

El film cuenta la historia de Malik El Djebema, un joven magrebí que ingresa en prisión. Es analfabeto, no ha conocido a sus padres y es totalmente ajeno a las  costumbres que se le suponen propias. Dentro de la prisión tendrá que luchar por ganarse el respeto de los demás. Pronto, el chico llamará la atención del jefe de los corsos, César Luciani. Éste le encargará un trabajito del que dependerá su subsistencia en la cárcel.

Es muy interesante como el director muestra la variedad étnica del estado francés, haciendo protagonista de la historia a los excluidos: esto es, árabes, magrebíes, negros y corsos con un realismo fuera de la común sin caer en lo grotesco.

A este realismo, ayuda mucho la fresca interpretación del joven Tahar Rahim en su primer papel para la gran pantalla y la experiencia del veterano Niels Arestrup,  que interpreta al capo de los corsos.

El aporte creativo del director viene dado por como expresa los problemas de conciencia de Malik, que están genialmente resueltos tanto visualmente como por un guión vibrante que tiene al espectador en tensión los 155 minutos que dura la cinta.

A pesar de la temática de la película, a la que muchos han querido encontrarle un parecido razonable a El Padrino y más en nuestro país con Celda 211, Un Profeta tiene su propia personalidad que no decepcionará a aquel que se acerque a las salas a verla.

Por último, me gustaría destacar la ausencia de moralina en la historia, lo que la hace mucho más interesante, ya que será el espectador el que extraerá sus propias conclusiones, como por ejemplo, el por qué de su titulo.

Nunca antes había visto tantas películas españolas como en este año. Es verdad, que poco a poco, el cine español va colocando productos de calidad que están logrando lo que era impensable hace unos años, la reconciliación del público con su cine.

La gala de los Goya de este año han demostrado que hay variedad de propuestas tanto en ficción como en animación. Las dos películas triunfadoras fueron Ágora y Celda 211. Ambos films han conseguido ser líderes de taquilla durante muchas semanas, parten de un excelente guión, cuenta con unas brillantes interpretaciones y un excelente equipo técnico.

Celda 211 ganó 8 Goyas, entre otros el de mejor película, mejor director y guión adaptado para Daniel Monzón, así como para las brillantes interpretaciones de Luis Tosar, como el ya mítico Malamadre, y del novel, Alberto Ammann.

Bajo mi punto de vista, Celda 211 es una película redonda donde todo encaja a la perfección. Consigue atrapar al espectador desde el primer fotograma en su trama carcelaria, en un tema poca veces tratado por cine patrio que no defraudará al que vaya a verla.

La otra triunfadora fue Ágora, de Alejandro Amenábar, que se llevó 6 Goyas. Entre ellos, el de mejor guión original, obra del propio Amenábar y su colaborador habitual Mateo Gil, quienes, partiendo de muy pocos datos biográficos tejen una bella y dura historia sobre Hypatia, la legendaria filosofa de Alejandría. Amenábar ha realizado la producción más cara del cine español hasta la fecha y el resultado es espectacular en su perfecta recreación de la época de la Biblioteca de Alejandría. Tal vez la interpretación de Rachel Weisz resulte un poco fría, no consiguiendo empatizar del todo con el espectador. Lo bueno que tiene esta película, te guste o no, es que no te dejará indiferente pues te obliga de una manera u otra a reflexionar.

El secreto de sus ojos, es otra buenísima película de producción hispano-argentina dirigida por Juan José Campanella que me gustó mucho por lo bien aprovechados que están los recursos con los que contaba el director.

La película arranca con la toma de posesión de Nelson Mandela tras las elecciones libres de 1994 y se centra en la relación que se estableció entre el Presidente Mandela (Morgan Freeman) y François Pienaar (Matt Damon) capitán de la selección de rugby sudafricana (Springboks) durante la celebración de la Copa del Mundo de Rugby en este país en 1995. Desde el primer momento es palpable la tensión existente entre negros y blancos tras años y años de Apartheid.

Mandela,  a pesar de su larga estancia en la prisión de Robben Island, no guarda ningún rencor a sus captores y sueña con la reconciliación de su país.  Predicando con el ejemplo, apuesta por integrar en su equipo de seguridad a negros y blancos por igual. Esta decisión desconcertará a unos y otros que se verán obligados a convivir.

El nuevo presidente ve en la celebración en su país de la Copa del Mundo una oportunidad de mostrar al exterior los avances de la nueva Sudáfrica. No dudará en apoyar a los Springboks, tradicional símbolo de los afrikáners y odiado por los negros, con la idea de transformarlo en el nuevo símbolo del país. Para ello, se reúne con el capitán de rugby proponiéndole que bajo el lema <<un equipo, un país>>, lo visite. En este viaje los jugadores descubrirán las raíces de su joven nación.

El espectador vivirá los primeros pasos de la reconciliación de un país a través de la figura de un gran líder, magistralmente interpretado por Morgan Freeman, quien solamente apoyado por una dentadura, que le iguala los dientes y maquillaje para hundirle los ojos, consigue transformarse completamente en el personaje. La actuación de Damon está a la altura de la de Freeman, a pesar que se dudaba si resultaría creíble interpretando al grandullón de François de 1,91 de estatura y 105 kilos de peso.

Autor: César Marí

Up in the air, es el tercer proyecto del joven director norteamericano Jason Reitman tras Gracias por fumar y Juno. El film esta basado en la novela  de Waltern Kirn “En el aire”.

La cinta cuenta la historia de un hombre Ryan Bingham (George Clooney) que literalmente vive en las nubes. Su trabajo consiste en volar por todo el país despidiendo a gente, por lo que se ha convertido en un tipo insensible y metódico cuya coraza le impide implicarse con nada ni con nadie. Su hogar son las salas de espera de los aeropuertos, los aviones y los hoteles. El arranque de la película es espectacular pues en pocos planos el director nos hará sentir la pasión de Bingham por volar, haciendo cómplice al espectador de su sensación de libertad gracias a unos bellísimos planos aéreos de las ciudades que va visitando.

Clooney está feliz con su vida nómada y solitaria por lo que odia quedarse en casa; sólo tiene un anhelo y es conseguir acumular 10 millones de millas aéreas.

Todo cambiará con la aparición de dos personajes femeninos, magníficamente interpretados por las actrices Vera Farmiga y la jovencísima Anna Kendrick. Éstas, acompañaran a Clooney a plantearse un montón de cosas que hasta la fecha tenía controladas bajo una inexpugnable seguridad en sí mismo, como son: el amor, el compromiso, la soledad, la realización personal, la familia y otras grandes cuestiones.

El planteamiento de la película, a pesar de ser un drama, explora su lado irónico y cómico.  A esto ayuda la interpretación de Clooney que, simplemente, es perfecta. A pesar de la mezquindad de su personaje, cala en el espectador desde el primer momento, pues no deja de ser un niño grande que irá madurando conforme avance el film.

La película tiene muy buen ritmo, y no decae en ningún momento. Sin duda, es una de los mejores films del año, lo cual se verá recompensado en los premios de la Academia de Cine Americana.

El film está ambientado en un pequeño pueblo del norte de Alemania meses antes del comienzo de la I Guerra Mundial, es decir, entre 1913 y 1914. Esta rodada en blanco y negro precisamente para acentuar la dualidad y el simbolismo que implican estos dos colores. El film se apoya muy poco en la música y en imágenes explícitas acentuando aún más la tensión y el misterio.

El color blanco asociado a la pureza y a la inocencia está representado en el film por un grupo de niños cuyo comportamiento es bastante extraño. Los personajes adultos que aparecen en la película también están llenos de secretos y silencios. El paisaje austero y frío ayuda a la creación de una atmósfera cargada de suspense e intriga.

La película comienza de una manera muy particular, pues es como si una pequeña puerta se abriera permitiéndonos viajar en el tiempo y observar a aquella sociedad que años después vivirá y apoyará el ascenso del nazismo y de Hitler. El narrador es un viejo maestro que recuerda los dramáticos sucesos ocurridos en aquella población y que nunca, a pesar de la intervención de la policía, se consiguió averiguar qué es lo que sucedió. Lo que sí es seguro es que la película no te dejará indiferente.


Autor: César Marí

 

Perteneciente a una importante familia burguesa que controlaba la compañía de tabacos de Filipinas, sufrió la incomprensión de la sociedad por el hecho de ser homosexual, donde las apariencias lo eran todo.

Jaime en sus ganas de rebelarse al sistema establecido intentó ingresar en el partido comunista pero lo único que consiguió fue pertenecer a la elitista gauche divine catalana, grupo de jóvenes descarados, intelectuales y divertidos que tenía su punto de reunión en la Sala Bocaccio de Barcelona, ya que el partido no aceptaría su ingreso por su condición sexual, perfectamente reflejada en el film sin caer en lo grotesco.

Este tipo de películas es importante realizarlas para que las generaciones que hemos vivido en democracia y en plenitud de derechos conozcamos cómo se vivía entonces.

Lo que hace más interesante esta historia es el punto de vista de un poeta comprometido que para muchos de nosotros era un desconocido, a pesar de que murió recientemente y que dos de sus descendientes son la fotógrafa de la movida madrileña Ouka Lele y la Presidenta de la Comunidad de Madrid Esperanza Aguirre.

La película arranca en la década de los 50 en Filipinas y termina en Barcelona en 1990. El film resuelve el paso del tiempo y de las distintas etapas históricas con la utilización de una imagen con más grano al principio para ir aclarándola  según avanza la historia, además de tener una perfecta ambientación y caracterización de los lugares y de los personajes.

Gil de  Biedma está interpretado magistralmente por Jordi Mollà pues realmente consigue transmitir la compleja personalidad del personaje, tanto en las partes habladas como en las no habladas, sin duda es una las mejores interpretaciones del año junto con la de Luis Tosar en su Malamadre de Celda 211.


Autor: César Marí

 

Esta semana quiero compartir con vosotr@s un estreno muy especial: el corto “54 escalones”.

Como sabéis, desde el pasado mes de enero colaboro en Indysilence encargándome de la sección dedicada al cine ofreciendo a los lectores el "Indyfilm de la semana".
Todo comenzó cuando Enrique Insa, uno de los responsables del portal, acudió al estreno de dicho corto en la Escuela de Cine donde estudiamos los miembros del equipo e, impresionado por el resultado del mismo, me invitó a colaborar en en Indysilence.

“54 escalones” es mi primer proyecto cinematográfico, y en él me he encargado de la producción, del guión y de la dirección de arte. Este corto ha participado en la sección de video de la XXX Mostra de València, en el Festival Tirant Avant 2010 y el Festival Internacional de Cortos Radio City, gozando de una buena acogida en todos sus pases. Tras este periplo por los Festivales hemos decidido subir el corto a Internet para aumentar las posibilidades del mismo de ser disfrutado por muchas personas, pues es la verdadera razón de su existencia.

La acción de "54 escalones" transcurre en Navidad, días antes del sorteo de lotería. Betty, vedette retirada, muy a su pesar, sueña con un golpe de suerte que la devuelva a los escenarios, sin embargo, su hermana Elpidia tiene otros planes para ella y sus alhajas.

Los papeles protagonistas han sido interpretados por al veterana actriz valenciana Teresa Soria y por la actriz de ascendencia noruega Ita Aagaard, a las que desde aquí quiero agradecer su implicación en el proyecto.

Si te apetece saber más cosas de este corto puedes verlo aquí  o visitar su blog en la siguiente dirección: http://www.54escalones.blogspot.com/ 

Espero que lo disfrutéis tanto como nosotr@s haciéndolo.

FICHA TÉCNICA:

A finales de febrero se celebró en Madrid una nueva edición de ARCO Madrid. La feria internacional de arte contemporáneo en su vigésima novena edición se convierte por unos días en capital mundial del arte.

Las mejores galerías del mundo muestran por unos días sus mejores exponentes del arte. Dentro de los géneros del arte moderno cobra cada vez mayor importancia las perfomances y en Arco tienen un papel destacado. El llamado “arte en acción” es una forma de creación plástica muy rupturista.

Dentro de Performing ArcoMadrid coexisten proyectos de las propias galerías, elegidos por un foro de expertos y una muestra de video perfomance histórico.

Entre los artistas figuraba el fotógrafo Mira Bernabeu que presentó un montaje “Mise en Scene” donde el espectador podía representar el rol de voyeur o actor.

Suso33, grafitero que ya expone en los mejores centros de arte contemporáneo, expuso su “Yo soy pintura”. Un discurso con la aportación de asistentes, mediante un megáfono construyendo un poema.

El valenciano Carlos Llavata llevó a tierras madrileñas su “Simulacro” donde jugaba con lo privado y lo público (cuerpos de seguridad…) llevándolo a la acción poética.

Otro español, Santiago Sierra recorrió varias ciudades del mundo transportando un gran NO corpóreo como símbolo antisistema. Su perfomance “No” para aquellos hartos de injusticia, dominación, censura y opresión.

Los parisinos Fabien Giraud y Raphael Siboni presentaron en Arco su “The Straight Edge” un experimento que busca en el sonido de los cuerpos bailando recoger expresiones compartidas por las masas.

Y ya que Los Angeles era la ciudad invitada de este año no podía faltar una representación de esta ciudad. El colectivo My Barbarian interpretó “Post-Living Ante-ActionTheater” basado en cinco principios: extrañamiento, indistinción, abandono de creencias, compromiso de participación y crítica constructiva.

Fotografía: pensart

La VIII Semana de la Moda de Valencia congregó a principios de febrero sobre la pasarela de la Feria de Valencia a  24 diseñadores que presentaron sus propuestas para la temporada otoño-invierno de 2010-2011. Una pasarela que a pesar de la crisis y de la tijera presupuestaria ha mejorado un año más en organización, innovación e imagen. Este año en los invitados del front-row no han sido tan notables como en otras ediciones, con escaso número de caras conocidas; dando el máximo protagonismo a lo verdaderamente importante: los desfiles.

De forma alternativa a los desfiles, se pudo disfrutar de una interesante exposición de portadas de “Vogue” donde es interesante destacar que un español, Eduardo García Benito, que comenzó su carrera artística como ilustrador de la revista. Un maestro del Art Decó en los años 20 y 30 y que consiguió gran renombre internacional. Este año como novedad se abrió una tienda con modelos de los diseñadores de Semana de la Moda, y así de este modo se podía comprobar in situ la calidad, los tejidos y ejecución de los diseños y comprarlos.

La pasarela se inauguró con la llamada Zona D con jóvenes creadores emergentes con propuestas muy innovadoras y frescas. Retal Reciclaje Creativo y Georgina Vendrell fueron galardonados con el premio al mejor diseñador de la zona D. A continuación Alejandro Sáez de la Torre diseñador de la marca “Porfin” lleno la pasarela de tejidos que recreaban la construcción industrial en tonos topo, grises y crudos, una de las colecciones más completas de esta semana. Su diseño de peluquería y estilismo recibió el Premio Revlon de esta edición. José Zambrano se inspiró en las sociedades de insectos para mostrar en “Invicta” a un hombre idiotizado, sin ideas pero voraz y agresivo con su entorno. Muy aplaudida fue la propuesta de Miquel Suay basada en el muro de Berlín , con looks muy futuristas y muy punk.

Alejandro Sáez de la Torre

José Zambrano

Miquel Suay

La segunda jornada se abrió con la moda intima para hombres de Manuel de Gotor. “Génesis” de los cuatro elementos, agua, aire, fuego y tierra con una brillante selección de tejidos como seda salvaje que ennoblece la intimidad del hombre. Espectaculares las batas y su confección de pijamas con transparencias. Juan Vidal se arriesgó con una colección monocromática en rojo para una mujer que sabe lo que quiere. La colección “Alexandra” de Higinio Matéu combinó la decoración con una mujer muy femenina y barroca. Cerró la pasarela Alex Vidal, con una colección inspirada en la Inglaterra más mod.

Manuel de Gotor

La tercera jornada nos trajo al vasco Ion Fiz, que presentó una mujer atemporal que viste de color negro y tonos neutros, muy parisinos, destacando la combinación con los tocados muy originales del Jardín de Lulaila. Y para cerrar esta edición la joven madrileña Maya Hansen presentó una divertida colección para mujer basada en la era victoriana con corsés muy femeninos.

Ion Fiz

Maya Hansen

Fotografía: Valencia Fashion Week

La exposición, que lleva como título SONIC YOUTH etc. : SENSATIONAL FIX se inaugura el día 2 de Febrero a las 20:00h, permaneciendo abierta al público desde el día 3 de Febrero de 2010 hasta el 2 de Mayo de 2010 en el Centro de Arte 2 de Mayo -CA2M- de Madrid.

La exposición se centra en las actividades multidisciplinares del rompedor grupo de guitarras Sonic Youth desde su formación en 1981. En ella se muestran las colaboraciones de la banda con artistas visuales, realizadores, diseñadores y músicos, así como una selección de otras obras escogidas por el grupo. A través de la producción multidisciplinar de Sonic Youth y de las obras de otros artistas presentes en la exposición, se desgrana una historia alternativa de la cultura contemporánea en la que lo underground y la cultura oficial de las cuatro últimas décadas se dan la mano y se exploran temas como la rebelión juvenil, las ansias de conocer mundo de los adolescentes, las diferencias entre sexos, la fama, la moda, la sexualidad o la religión.

Entre los materiales expuestos se encuentran diversos diseños para las portadas de los discos de Sonic Youth, una selección de folletos, fanzines, pósters y textos de los miembros de la banda, y fotografías del grupo realizadas por artistas como James Welling, Sofia Coppola o Richard Kern.

SONIC YOUTH etc. : SENSATIONAL FIX.
Centro de Arte 2 de Mayo -CA2M-
Avenida de La Contitución 25 - 27, Móstoles (Madrid)

Para más información CA2M

RADIOGRAFÍAS: Mitomanía e Identidad

Exposición hasta el 10 de enero, Gijón - Antiguo Instituto Jovellanos

Para todos aquellos que estéis en tierras asturianas o penséis pasar unos días durante estas vacaciones os propongo esta interesante exposición. Cada pieza expuesta es una radiografía que va mas allá de lo que está debajo de la realidad visible. Es un análisis de las imágenes de la sociedad partiendo de una profunda reflexión del presente a través de varias perspectivas artísticas.

Mitomanía e identidad: el fetichismo, el movimiento fan, el endiosamiento de lo material, el consumismo, la adicción a las marcas; todo ello ha llevado a la sociedad actual desde la invención de la identidad hacia la construcción del mito. La creación no sólo busca el reflejo de la realidad sino ofrecer alternativas a esta. La selección de las piezas proyectadas se complementa con proyectos de carácter relacional e interactivo.

Participan 19 artistas de diferentes países: Abdul Vas, Adrián García, Alex McQuilkin, Andrés Senra, Antonio Ortega, Carles Congost, Daniel Toca, Diana Larrea, Fabien Giraud & Raphaël Siboni, Félix Fernández, Fischerspooner, Jacopo miliani, Left Hand Rotation, Lucía Antonini, Pablo Pérez Sanmartín, Pauline Fondevila, Rosana Antolí, Sebastián Gordín y Sito Múgica.

CAI Centro Cultural Antiguo Instituto
C/ Jovellanos, 21. Gijón, Asturias.